Directed with verve and originality by Alan Roth, who clearly has an infectious enthusiasm for the music, he pioneers an organic, layered approach inviting the viewer to take an active role.   
 -- Leeds International Film Festival

The film delves into the essence of free jazz …not so much a detailed history of music, but rather an intellectual essay, which entices us into the world of free jazz.
  -- Cracow (Poland) Film Festival

Minneapolis City Pages by Noel Murray

For a film that consists entirely of talking -head interviews, still photographs, and new performance footage, this exploration of the history and continued resonance of the "free jazz" movement is remarkably comprehensive. Director Alan Roth records the observations of a wide array of articulate jazz folk both young and old, subtly arranging their thoughts into three parts: an introduction to the philosophy of free jazz; a fairly detailed history of the genre; and an insightful discussion of the art of improvisation. The segments are bridged by lengthy performances filmed by Roth with an emphasis on the players and their skills, and made more meaningful as the movie progresses due to the explication of Daniel Carter, Baikida Carroll, Alan Silva, and William Parker (among others). The progression of Inside Out In the Open--from a scene of free jazz players hailing the genre's hospitality toward unskilled musicians to a linkage between Sixties radicalism and wild improv to an impassioned defense of the listening skills that separate the improviser from the session man--makes a most convincing case for the merits of "thinking free." The films screens at Oak Street as part of "Sound Unseen," a voluminous series of music-related movies and events; for more information, see

The Plain Dealer, Cleveland Ohio by Edward Angel Sotelo

Even after three decades, the music known as free jazz hasn't been graciously welcomed into the membership of popular American music. Many find its avant-garde sense of composition and reliance upon improvisation noisy and nonsensical. Yet free jazz touches those who find self-expression by transcending musical and sociocultural barriers.

One such advocate is former Clevelander Alan Roth, whose debut film, "Inside Out in the Open," attempts to explain this American musical movement in the words of the genre's pioneers and practitioners. It's being shown at 7:30 p.m. tomorrow and 9:30 p.m. Sunday at the Cinematheque in the Cleveland Institute of Art.

The culmination of a lifelong love of music and Roth's studies at the New School for Social Research in New York City, "Inside Out in the Open" features interviews and performances by Sun Ra and his Arkestra, Matthew Shipp, Peter Brotzmann, William Parker, Susie Ibarra and additional music by jazz giant John Coltrane and late ex-Clevelander Albert Ayler.

"I was helped by growing up in a household that listened to jazz," said Roth, calling from his home in Brooklyn, N.Y.He said his exposure to Case Western Reserve University's radio station, WRUW FM/91.1, also helped to nurture his budding musical sensibilities.

"In high school, I was very much into music from around the world and experimental composers like John Cage. But listening to WRUW play records by improvisers like Ornette Coleman and Cecil Taylor helped me to connect emotionally with this music." To Roth, that bond is both elusive and powerful. "It's hard to put into words. Even though you can't define it, the openness of the music and the surprise of improvisation can draw you in. Traveling is a good example. I like those unconventional, less-than-obvious destinations. I think that free jazz parallels that."

"Inside Out in the Open" is itself a journey. Roth's film spans the 1960s to the present day, and documents the musicians both at their homes and at performance venues such as Cleveland's Speak in Tongues.

Their interviews are much like the music: both expansive and deeply exploratory. "Their journey, musically speaking, isn't just based on spontaneity," Roth said. "These musicians are all extremely knowledgeable and studied without being locked into a rigid system. While that approach makes their artistry sometimes difficult to understand, it also lets the individual or collective reach a new level of expression."

The emotion behind such expression is what gives meaning to both free jazz and "Inside Out in the Open." It comes down to issues of emotions and feeling and the ability to communicate that with an audience. It requires the listener to think and pay attention. It's not always an easy ride. What's important to remember, though, is that this music is conversational - between the musicians playing it, and the audience listening."


Published November 14 - 20, 2001


In the wake of Ken Burns broad jazz documentary, in which he made it perfectly clear that he didn't much dig "free jazz," former Clevelander Alan Roth has produced and directed an outstanding hour-long film that takes on the history and meanings of the free-jazz form.

Assisted by Cleveland State University Professor of Film Communications Austin Allen, Inside Out in the Open is at once an intelligent and emotional exploration of the jazz world's most controversial outgrowth. Not only does the film explore the function and the key players of free jazz, but its cinematography impressively imitates the musical form as well.

Roth will appear to discuss the film. Inside Out in the Open debuts tonight at 7:30 pm at the Cinematheque, with an encore showing on Sunday at 9:30 pm. $6.

Amsterdam, The Netherlands 

  19 December 2001 - Zaal Belgie, Hasselt
by Bas Ickenroth

For the second time this year, Zaal Belgie in Hasselt, Belgium, provided us with an evening of the most experimental form of jazz. Last April the Collective Trio (featuring Susie Ibarra) and a duo consisting of Sunny Murray and Arthur Doyle played some incredibly expressive pieces, only to leave the audience in complete and utter admiration. As you can imagine, I was delighted to hear that Sunny Murray would perform once again, this time in a trio with Alan Silva and Bobby Few. Apart from that group, the evening would consist of theAlexi Tuomarila Quartet and the showing of the Alan Roth documentary 'Inside Out In The Open - An expressionist journey into the world of free jazz'. The Alexi Tuomarila Quartet started of the evening. It's a very young ensemble, and it was obvious they were a tad bit nervous. Of course this can be expected when you have to perform before such names as Alan Silva, who played free jazz way before even all members of the quartet were born. It started with some atmospheric freeform expressions, which were quite beautiful. But, unexpectedly, the rest of the concert was far more traditional than the openings minutes would have made you think. Luckily, their presentation of fairly traditional jazz had some minimal music influences, with piano patterns Steve Reich would be proud of. It made their music quite interesting, and the audience became more and more devoted during the last 30 minutes of their gig. All four were great instrumentalists, but especially the drummer was exceptional, which he showed beautifully in the more free parts.

After this performance, it was time to go to the next room, where the showing of the free jazz documentary 'Inside Out In The Open' would take place. The maker of the documentary, Alan Roth, was present himself, and he gave us some explanations about the "how" and "why" of the documentary. Fact is that free jazz has been given as good no publicity at all in the last thirty years. In most of the cinematic productions about jazz, the emphasis lies only on bebop, modal or fusion, but free jazz has always been the black sheep the family never wanted to tell you about. Alan Roth did not agree with this, and therefore he made this beautiful 60-minutes lasting documentary.

During this period many free jazz artists tell about the reasons for and feelings while making this kind of music. Names like John Tchicai, Susie Ibarra, Matthew Shipp and the later this evening performing Alan Silva tell about their backgrounds, how they came in contact with this music, and why it means so much to them. Their stories are passionate, and the way it has been put to tape displays a great deal of respect and love for both the people and their music. Alan Roth gives free jazz the stage it has deserved for a long time. 'Inside Out In The Open' is a fantastic documentary about some of the most difficult, but also some of the most fascinating music of all time. Not only is it a great start for anyone who wants to know the origin and backgrounds of free jazz, it is also obligatory stuff for all the free jazz aficionados.

The dessert of the evening was the performance of three genuine legends of free jazz: Sunny Murray on drums, Alan Silva on bass, and Bobby Few on piano. A very promising line-up indeed. Unfortunately, a great deception is what followed. Bobby Few and Alan Silva begun with some beautiful improvisations on bass and piano, complementing each other's playing. From the moment on Sunny Murray fell in with his drums, all was lost. This sounds dramatic, but that feeling never left my gut for the entire performance. Totally unlike his playing in April with Arthur Doyle, Sunny Murray played chaotically, didn't listen to his fellow musicians, and played terribly unsubtle. As if his technique was temporarily lost, he hit drums and cymbals with almost uncontrolled movements. He also hit his instruments hard, making the efforts of both Alan Silva and Bobby Few virtually inaudible. Very unwelcome after the lovely starter and delicious main course. After about 40 minutes I had enough of it, and decided that Sunny Murray had had a very bad evening. It didn't make the disappointment less.

KindaMuzik is a 100% independent, non-profit online magazine offering a multitude of reviews, interviews, trends, and in-depth articles, and we cover a variety of genres: pop, rock, dance, metal, punk, avantgarde, Americana, and blues. We believe in shining a spotlight on alternative and independent music. In the past few years, KindaMuzik has grown to become a widely popular online magazine. Writers contribute their time on a voluntary basis and are located across Europe and the US. It is KindaMuzik's objective to provide visitors to the site with a good and comprehensive overview of the contemporary music scene.

University of Oregon
Vol. 2 No. 31  January 10 - 16, 2002
What Happens when Jazz Jumps Out of its Skin?
by Julianne Shepherd
Inside Out in the Open
dir. Alan Roth
Thurs Jan 10, San Jan 12
Guild Theater

"Kids who go to 'university' play free jazz," a friend dryly explained to me this morning, when I told him I'd just watched Inside Out in the Open, a documentary about free jazz, or "out music." He meant it as a funny, backdoor dis, and I agreed with him; everybody knows a pretentious liberal arts school guy who got into free jazz before he could play any instrument, subjecting his audience to noodles' worth of wanking. But if you don't check all preconceived notions at the start of this film, you will by the end; this documentary not only captures free jazz at its greatest and most vital, but reveals the exciting context in which it was born.

From the beginning of the film's interviews, we learn that free jazz has had this stigma since its beginnings in the '60s. But free jazz is inherently rooted in conflict--it was a direct response to the cultural upheaval of the '60s, the musical version of the concept of being free from structure. Everyone had their own way of speaking: the Black Panthers gave away free breakfasts to the kids in their communities, students rallied for peace in Vietnam, and Albert Ayler, Eric Dolphy, and Ornette Coleman protested by throwing away their sheet music.

This rhetoric is put to live action with incredible performances. As if a clip of Sun Ra and his million-person Arkestra, all dressed up in glittering, sequined bravado, weren't enough to make the whole film, there are clips of Cooper-Moore, his hands twitching crazily into his piano, Matthew Shipp, Reggie Workman, and many more. The sight of Peter Brötzmann's mad saxophone playing is some hot shit, and enough to convert anybody to free jazz for life.

Ultimately, what the film wants us to understand about free jazz is that it's about shortening the distance from the heart to the audience. By shedding the trappings of day-to-day life and playing whatever comes to mind, the ultimate goal is to send the audience into the same trance the performer reaches. There's a lot of philosophical talk about deconstruction in Inside Out in the Open; Joseph Jarman, co-founder of the Art Ensemble of Chicago, says free jazz seeks to "eliminate reason." By doing so, these musicians make a passionate, life-affirming racket.

baro2 baro1Friday January 11, 2002 Oregon State University

Director talks about his new film
By SARAH LINN Barometer City Editor

Just months after filmmaker Ken Burns' ten-part series "Jazz" aired on public television stations across the nation comes a documentary about a little known facet of the American art form: free jazz.

Directed by newcomer Alan Roth, "Inside Out in the Open" explores the freely improvised, wildly creative world of free jazz, which emerged in the early 1960s under the leadership of musicians like Ornette Coleman and Cecil Taylor. With an expressionistic blend of artist interviews, performance footage and selected music, "Inside Out in the Open" draws attention to this often under-valued genre.

The film joins a score of music-related documentaries featured this weekend by the Northwest Film Center's Reel Music Festival in Portland.

"Inside Out" grew out of Roth's experience with jazz as a young man in Cleveland, Ohio. "I found myself drawn to things that were different, things that were avant-garde," Roth said, speaking by telephone from his New York City apartment.

Few forms of music were as avant-garde as free jazz, also known as the New Thing, the Jazz Revolution and free improvisation. Its founders, including Sun Ra, Alber Ayler, Eric Dolphy and John Coltrane, pushed the boundaries of rhythm, sound, harmonics and collective improvisation in the 1960s jazz scene.

"They (the musicians) began to move away from playing songs into a freer form of improvisation," Roth said. "It allowed the musicians a lot more freedom to play what they were feeling. It's a very, very difficult way to perform, because in a sense you're composing as you perform. You have to work as an ensemble to make music."

After moving to New York in 1995 to complete a master's degree in media studies, Roth found himself in the heart of the avant-garde music scene. "I was able to see it live in all these clubs, meet the musicians, all very informally," he said. "I had no idea when I came to New York that I would make something like this later."

Production on "Inside Out" began in 1997, as Roth pursued another hobby of his, video. He collected hours of footage of musicians like Marion Brown, Roswell Rudd, John Tchicai, Alan Silva, Burton Greene, Joseph Jarman and Baikida Carroll, and groups such as In Order to Survive, Other Dimensions in Music and Sun Ra and his Arkestra.

"I had to learn just as much about who these people were, and spend time with them," Roth said. "I had a number of questions, but I always let [the conversation] flow, wherever it would go ... It was a completely organic process."

The result was a non-linear, multi-layer documentary fueled by "the personalties and the humanity of musicians themselves," Roth said. "And not a single critic," he added with a laugh.

Now "Inside Out" is enjoying moderate success at various festivals in the United States, New Zealand and Belgium. "It's been well-received, and that's what makes me happy," Roth said.

Next on Roth's plate is a documentary about the New York Art Quartet, a free jazz group composed of Roswell Rudd, John Tchicai, Milford Graves and Reggie Goldman. The group existed for only one year -- 1964 to 1965, before disbanding. "Thirty five years later the group got back to perform again," Roth said. "The story's about what this music is like, what it's like for these four different people to live their lives."

He is also considering a non-musical project dealing with globalism, and perhaps an eventual return to his home city, Cleveland.

It's a considerable schedule for a man who had a career in the U.S. Postal Service before changing careers for film making. "It was a big decision to give up a totally secure lifetime job to go to a semi-secure, unstable job," Roth said. Still, he has few qualms about his decision to pursue documentary-making.

"You have to think [a film] will succeed -- otherwise, why bother?," Roth said. "It's still fun to watch. It's like a child finally walking and it sort of walks all over the place. I'm happy with that."

Roth hopes that "Inside Out in the Open" will encourage people to delve deeper into the history, sound and enjoyment of free jazz. "Here's an art form that really allows individuals to truly express their emotions and their ideas through their instruments," he said. "[People] need to pay respects to this music and give it a hearing."

"Inside Out in the Open" will be shown Saturday, Jan. 12 at the Guild Theatre, 829 S.W. Ninth Ave., Portland, as part of the Northwest Film Center's Reel Music Festival.

Sarah Linn is the city editor for The Daily Barometer.

2001 © The Daily Barometer, Oregon State University


Monday, January 14, 2002

From the Outside Looking In: A Review of Alan Roth's documentary film, Inside Out in the Open 

By John Stevenson

LONDON - Among the many heads peeping cautiously from beneath parapets in 2002, is the head of this reviewer. After all, 2001 was quite a tempestuous year for jazz. Even the eternal optimists amongst us would admit that the storms weren't taking place in fine china teacups.

Perhaps the most dust was stirred up from the release -- on both sides of the pond -- of Ken Burns' acclaimed masterpiece, Jazz. With its slick commercial guise, glaringly obvious shortcomings, and motives of its well-known co-conspirators apart, Burns' groundbreaking production nevertheless drew millions of viewers into the enigmatic musical saga and tapestry of that quintessentially American cultural legacy (and prime aesthetic export) known as jazz music, recalling the tortured social conditions that have attended the defining decades of its life.

2001 also threw up Clevelander-turned-New Yorker Alan Roth's equally compelling jazz documentary, Inside Out in The Open, which also marked his impressive directorial debut. A project which began in 1997, the documentary attempts to address the gross error of historical judgement made in Burns' Jazz, in which scant attention was paid to the development of free jazz.

Inside Out in The Open runs for a riveting 59 minutes and is all about free improvised (or free form) music as recounted by the likes of Roswell Rudd, John Tchicai, Joseph Jarman and Marion Brown (among others) who helped to midwife the birth of the "New Thing"  in the socially turbulent 1960s. The movement's younger progeny such as pianist Matthew Shipp and drummer Susie Ibarra are thrown under the spotlight as well.

The documentary begins with an unidentified image -- blurred, dreamy, and seemingly diaphanous -- suffused by the layered voices of Rudd, et al attempting to answer the question "what is sound?"

In a series of alternating, and sometimes brisk sequences, we are carried from the pithy insights of Alan Silva, Susie Ibarra and Baikida Caroll (again, among others) describing their experiences with free jazz, to frenzied and intense performances of the New Music. Particularly spectacular is the live session featuring the William Parker-led In Order to Survive, with Cooper-Moore (like a young Cecil Taylor) percussively pummelling the piano with fisticuffs, energetically sculpting his own brand of creative dissonance into the architecture of the collective improvisation at work.

The big plus for Inside Out in the Open is that the music and musicians tell the story of improvised free jazz; there is no overbearing politically or ideologically oriented narrative voice to influence the viewer. It is the first of two documentaries; the next one will focus on the New York Art Quartet which, although it functioned for a very brief period, nonetheless impacted very significantly on the free jazz movement.

The recurrent themes of freedom, originality, breaking-free, and aesthetic convergence emerge in the rap sessions in which the flow of consciousness is abruptly stemmed by the interruption of a ringing telephone when Carroll and Jarman are in mid-sentence.

Marion Brown (of Three for Shepp fame) and Jarman share interesting contrasts between the rich artistic ferment in New York City during the 60s, and the wintry remove of Chicago where daring and considerably less competitive experimentation was going on in the context of the Art Ensemble of Chicago and the Muhal Richards Abrams-led Association for the Advancement of Creative Musicians.

Because of their tremendous artistic integrity, the featured musicians calmly and articulately speak about their chosen vocations in America. For it takes integrity to cut against the grain of "accepted  and acceptable"  musical form in such an advanced capitalist society.

Indeed, the Afro-Dane, John Tchicai, with characteristic Zen-like composure says "most people cannot cope with polyrhythms, polytonality, and sounds that are different . " A point well understood by folks like Ornette Coleman whose orthodoxy-defying stylings were viewed with such apprehension in the jazz community of the 60s that he was sometimes paid not to perform.

If jazz conjured up vulgarity at the turn of the 20th century, free improvised jazz was the polite term for a thing considered even more repulsive in the musical community. In a 1988 interview with Ben Sidran (in Sidran's Talking Jazz, An Oral History) tenor saxophonist Johnny Griffin said: "I was in total disagreement with the major disc-jockeys of [the 1960s], the so-called jazz critics of the day, who were proclaiming a new noise that they called music, which turned out to be avant garde and free jazz, and I thought it was all rubbish, which it has proved to have been, all rubbish, a bad joke on music, which I think really helped to destroy the jazz scene as such here in America in the early 60s and 70s, almost completely..."

It is little wonder, then, that Ken Burns' major omission should in fact be the avant garde and its development in the 1960's and 70's with such worthy exponents as Keith Jarrett whose solo improvisational concerts (Koln, Sun Bear, etc) helped to significantly reshape the contours of the genre. Indeed, the balm of free jazz was to be found in the Gilead-like jazz community of the 70s, long before the momentous return of Dexter Gordon to the Big Apple!

However, what emerges here is the notion of a consistent interrogation into what are the very properties of jazz "an interrogation which didn't begin with Kenny G versus the Young Lions.

Though the views on Roth's documentary featuring Roswell Rudd, John Tchicai and Alan Silva, for example, are valuable, the film is akin to a partially lit room in which some corners remain darkened.

The visionary locutions of a Cecil Taylor, an Ornette Coleman, an Anthony Braxton, or an Archie Shepp could have invested the documentary with even more context and perspective. Outside of Chicago and New York, California has also had its share of the New Thing with folks such as Vinny Golia. In Texas, Dennis Garcia carried the torch inspired by Ornette Coleman many years before. These could have provided interested geographical contrasts.

In the end these may all turn out to be minor quibbles. Inside Out in The Open, however, provides us with a wonderful opportunity to pursue a more revisionistic approach to jazz criticism, scholarship and historiography in 2002 and beyond -- now that the air is beginning to clear and the parapet is torn down, of course.

jazz magazine itv

"Inside Out In the Open - an expressionist journey into the music known as free jazz" entretien avec Alan Roth, realisateur

Jan 2002 Propos recueillis par Christian Gauffre

La fiche du film

Portrait extrêmement sensible d'une musique et de ses acteurs, "Inside Out in the Open" était présenté en Europe le 19 décembre à Hasselt (Belgique), en présence de son réalisateur Alan Roth. A cette occasion, nous avons eu un long entretien avec lui afin de mieux comprendre sa démarche. En voici la première partie. Suite et fin la semaine prochaine. (Le film n'est pas encore distribué)

Alan Roth, s’agit-il de votre premier film ?

De mon premier long documentaire. Précédemment, j'avais fait des courts métrages, sortes de travaux pratiques qui m’ont permis de trouver ce qui comptait vraiment pour moi. En fait, tout a démarré comme un simple projet de fin d'études dans une école de médias newyorkaise. Je l’ai retravaillé et complété et maintenant il a sa vie propre.

Comment l’avez-vous financé ?

Une grande partie du travail a été faite à l’école, c’est donc l’argent que je payais pour les cours qui a financé les travaux prélimianires. Ensuite il y a eu la famille, et finalement… Les cartes de crédit. Mais ça se passe souvent comme ça pour ce genre de productions. J’espère qu’il me sera plus facile de trouver des subsides pour mes projets à venir. Mais aux Etats-Unis, ça reste très difficile.

Ça ne l’est pas moins ici…

Sûrement. Mais aux Etats-Unis, depuis quatre ou cinq ans, est venu s'y ajouter un autre phénomène : une grande partie de l’argent qui passe habituellement dans le jazz a été engloutie en partie dans le projet de Ken Burns, le documentaire en dix épisodes pour PBS. Du coup, il a été beaucoup plus difficile pour les autres de trouver de l’argent.

PBS n'a pas produit la totalité de la série ?

Non, il y a eu aussi General Motors, diverses fondations…

C’était si cher ? Après tout, il y a surtout un travail de présentation d'archives…

C’est un budget de 14 millions de dollars. Pour un projet critiqué… J’ai commencé à travailler sur mon projet en 1997 : recherches, quelques prises de vues… je n’avais aucune idée, à cette époque, qu’il existait un projet aussi ambitieux que celui de Burns. Et j’ignorais donc que cette série serait aussi critique envers la musique à laquelle je m’intéressais, moi. D’une certaine manière, ça m’a aidé. Mon film est sorti après le sien, à un moment où d'aucuns cherchaient un discours objectif, ou au moins positif, sur la période de gestation du free jazz. Mais notre approche est très différente, bien sûr.

Est-il envisageable que PBS diffuse votre film ?

Je vais essayer d'y arriver en tout cas. Ça prendra du temps, mais si les réactions à mon travail sont positives, dans la presse jazz par exemple, ce n’est pas impossible. Mais mon film pose un problème : il est beaucoup plus "lent" que celui de Burns, et les programmateurs ont toujours peur que les gens ´ décrochent ª vite. Mon film est plus ´ bio  ª, il lui faut du temps pour se déployer. Il fonctionne mieux en salle.

La forme même du récit est différente…

Oui, chez Burns, on conte une histoire, ça tient davantage de l’encyclopédie : un narrateur et des images qui bougent. Les gens sont habitués à cette forme, qui permet de dramatiser les choses. Dans mon film, on parle d’une musique au travers de ceux qui l’ont faite au fil des ans, ce sont eux les commentateurs. Je voulais trouver un langage documentaire dans lequel je me sentirais à l’aise, et je me suis aperçu qu’il était finalement très proche du concept même de cette musique.

Comment vous êtes-vous intéressé à cette musique, au free jazz ?

J’ai grandi à Cleveland, dans l’Ohio. Mes parents écoutaient du jazz, j’ai grandi dans cette musique. A l’adolescence, mes intérêts musicaux allaient de John Cage au jazz en passant par divers compositeurs contemporains et ce qui est ensuite devenu la ´ World Music ª. Je me suis toujours intéressé à ce qui était différent. Politiquement, j’ai rapidement évolué vers la gauche. Et les choses se sont imbriquées. Je suis venu au free jazz à la fin des années 1980, au travers d’une radio universitaire de Cleveland.

Il y a donc des radios universitaires qui diffusent ce genre de musique ?

Ce sont les seules ! Aux Etats-Unis, la plupart des stations de jazz appartiennent au réseau public…

La NPR ?

Oui, et ses affiliées. Et ces gens-là sont en général beaucoup moins ´ aventureux ª dans leur programmation. Aujourd’hui, aux Etats-Unis, si vous voulez écouter Cecil Taylor, vous avez plus de chance de l’entendre sur une radio universitaire, diffusé par un jeune de 24 ans, que sur une station jazz publique.

Comment s'est poursuivie votre découverte du free ?

Mon intérêt est allé croissant. Le free jazz avait quelque chose qui ´ me parlait ª. Par son ouverture, par son travail sur la durée qui donnait à chaque concert valeur de voyage… A cette époque, je travaillais pour la Poste.

Pour payer vos études ?

Non, c’était mon vrai travail ! J’avais arrêté les études après le lycée, et il m’avait fallu trouver un emploi. La Poste avait l’avantage d’être un travail relativement stable— à l’aune des Etats-Unis —, plutôt bien payé… Et parallèlement, je m’intéressais à la politique, aux arts…

´ La politique ª, ça voulait dire quoi ?

Les mouvements nés pendant la guerre du Viet-nâm, anti-guerre, qui ont évolué en mouvements anti-apartheid, puis en mouvements de défense des travailleurs… J’ai été représentant syndical à la Poste, par exemple. Je représentais notre section au niveau central…

Quel syndicat était-ce ?

L’American Postal Workers Union.

Affilié à l’AFL...

Oui. Et en même temps, je m’intéressais à l’art, à la musique, aux films -- en tant que spectateur. Je m’intéressais plutôt au travail des indépendants, à ce qui venait d’autres pays, à l'expérimental… Il y avait une continuité dans ma vie et mes choix. J’ai toujours été marginal.

Quel type de jazz vos parents écoutaient-ils ?

Ils étaient plus ´ conservateurs ª : plutôt Sarah Vaughan... Ils étaient allés voir Art Tatum quand il était passé à Cleveland, Nat King Cole… Les big bands… Plus Basie et Ellington que Tommy Dorsey… Ils s’intéressaient davantage aux jazzmen noirs.

Comment êtes-vous passé de cette musique au free jazz dans les années 1980 ?

Les enfants écoutent la musique de leurs parents jusqu’à un certain point puis, soudain… On trouve toujours quelque chose à quoi s’identifier et qui diffère de leurs goûts.

Un beau jour, vous avez abandonné votre emploi à la Poste...

A la fin des années 1980, la vidéo est devenu à la portée de tous. J’ai acheté une caméra. Au lycée, j’avais déjà fait de la vidéo avec une caméra super-8. J’ai commencé à travailler avec des danseurs, des musiciens, à enregistrer ce qu’ils faisaient… Et les gens aimaient bien ma vision des choses. Quand on commence à avoir des réactions positives, on se dit qu'on a peut-être un talent à développer... Plus je filmais, plus je me disais que j’aimais faire ça. Travailler à la Poste, c'était lasécurité financière, mais c'était aussi un certain emploi du temps, que j'aurais pu répéter à l'infini ou presque… A un certain moment, il est devenu difficile de faire les deux. J'ai songésérieusement à la possibilité de changer complètement d’orientation. Je suis retourné à l’école pour passer mon diplôme de fin d’études puis, en 1995, j’ai coupé le cordon ombilical en démissionnant, et en partant pour New York pour poursuivre mes études à la New School.

Parlez-nous de la naissance de votre projet "Inside Out"...

Juste avant mon départ pour New York, une radio de Cleveland a fait venir Charles Gayle, William Parker, Peter Brötzmann… J’ai eu enfin la possibilité de les entendre en personne et de discuter un peu avec William Parker. A mon arrivée à New York, ces gens-là jouaient un peu partout ! C’était en 1995, il y avait alors beaucoup de lieux qui ont fermé depuis. Par exemple le Cooler, dans la 14e Rue Ouest. Juste après mon arrivée et pendant un mois, ils ont fait toute une série de concerts gratuits le lundi soir. Rashied Ali supervisait le programme. Il y a eu des rencontres étonnantes : William Parker-Rashied Ali-Charles Gayle par exemple. Une formation qui aurait pu survivre… Il y avait aussi la Knitting Factory... Tout ça m’a donné la possibilité de discuter avec ces musiciens, de sympathiser avec eux. Mais à cette époque, je ne pensais pas que je finirais par faire un documentaire avec eux.

Finalement, à l’école, j’ai dû choisir un sujet pour mon projet de fin d’études, et je me suis dit que j’adorais cette musique, qu’il n’y avait finalement pas grand chose sur elle historiquement, et qu’il serait bien que je fonce. A l’époque j'étais certain que j’allais faire LE documentaire sur le free jazz ! C'était particulièrement ridicule bien entendu, je l’ai compris après. J’ai commencé à me documenter, à lire tous les livres que je pouvais trouver : Amiri Baraka-LeRoi Jones, ´ Blues People ª…

Vous n’avez pas lu ´ Free Jazz-Black Power ª de Philippe Carles et Jean-louis Comolli…

Non, je ne crois pas qu’il ait été traduit hélas. Mais j’ai lu les livres sur l’improvisation africaine de Francis Bebey, et bien d’autres. Je suis allé aussi souvent que je l’ai pu à l’Université de New York, qui a une belle collection de vidéo, et j’ai regardé tout ce que j’ai trouvé sur le sujet.

Puis, en 1997, il y a eu le Vision Festival. J’y ai assisté avec ma caméra Hi-8, et j’ai filmé des passages, pendant tout le festival. J’ai beaucoup discuté avec les musiciens, je me suis entièrement immergé dans mon projet. J’ai réfléchi à la manière dont on pouvait filmer cette musique.

Comment avez-vous déterminé la forme ? Aviez-vous un concept préalable, ou bien l’avez-vous bâti au fur et à mesure que vous filmiez ?

Je suis toujours resté très ouvert à ce qui se passait. J’ai beaucoup filmé, tout en cherchant à clarifier ce que je voulais dire. J’ai rencontré beaucoup de musiciens, nous avons discuté devant un magnétophone de ce que j’avais tiré des ouvrages que j’avais lus, nous avons tout mis à plat. Mais je n’ai jamais eu de script. Je n’avais pas d’idée préconçue sur l’enchaînement des interviews…

Il m’est apparu que beaucoup de choses entraient en ligne de compte dans le fait qu'une musique ´ arrive ª. On peut dire que cette musique a été ce qu’elle a été dans les années 60 parce que c’était les années 60, parce qu'on y accordait une importance plus grande à la politique, etc. Mais ce n’est qu’une partie des choses déterminantes.

Je me suis mis à travailler de manière "circulaire", avec différentes idées, différents concepts, que j’ai commencé à cristalliser. Nous nous sommes rendus compte à un certain moment que, dans les interviews, les musiciens finissaient par faire ressortir ce qu’ils voulaient mettre en avant. Il m’arrivait de poser des questions, d’attendre une certaine réponse,et de voir que ça partait dans une toute autre direction. Mais j'ai laissé faire, je n'ai jamais tenté de ramener sur mon propre terrain. Il n’est pas difficile de faire dire à quelqu’un ce qu’on veut. Mais ce n’était pas ce que je voulais.

Au bout d’un moment, je me suis retrouvé avec des piles de bandes, et c'est alors que j’ai choisi d’organiser le film par grand concept. J’ai réfléchi à la musique qui fonctionnait au mieux avec tel ou tel passage...

Comment avez-vous décidé du rapport entre parole et musique ?

Je ne crois pas m’être dit à un moment ´ je veux qu’ils parlent plus qu’ils ne font de musique ª, ou l’inverse. J’ai réalisé que dans un documentaire, quand on traite d’histoire et d’idées en gérant onze interviews demusiciens, à moins de disposer de 90 minutes -- et encore --, on risque de ne pas leur laisser assez de temps pour qu’ils s’expriment. Il m’est vite devenu évident qu’il y aurait davantage de place accordée à la parole. D’autant que certains des musiciens n’étaient pas très connus, et que c'était l'occasion de leur apporter une certaine reconnaissance. Le fait de ne disposer que de 60 minutes m’a dicté certaines limites. Ce qui a été frustrant, quand on sait qu'il arrive parfois qu’un thème dure plus de 40 minutes et que je n’ai dû en conserver que les 40 dernières secondes… Mais il reste comme un parfum diffus…

Alan Roth, selon quels critères avez-vous choisi d’interviewer ou filmer tel ou tel musicien ?

J’ai décidé de rencontrer des gens actifs dans les années 1960, des musiciens de la première génération, puis d’aller jusqu’à la génération actuelle — la troisième quasiment. Ainsi, il y a une notion de continuité, on ne fait pas un film ´ musée ª sur ´ le bon vieux temps ª. Ensuite, les critères complémentaires ont été assez simples : j’ai choisi ceux qui étaient dans la région newyorkaise, qui m’intéressaient bien sûr, qui était joignables et interviewables — même si ce n’était que pour une petite conversation informelle non enregistrée… En fait, beaucoup d’intuition entre en jeu dans le choix des personnes. Parfois, un musicien en a suggéré un autre… Et puis, il y a le hasard. Ainsi, j’avais beaucoup lu sur John Tchicai que j’ai vu apparaître de manière inattendu, en invité surprise, au Vision Festival en 1997. Je l’ai filmé, je me suis laissé porter par sa présence, sa musique. Ce n’est qu’après que je me suis dit que je devrais approfondir les choses avec lui. Pour Roswell Rudd, un autre musicien me l’a suggéré. Il est venu à la Knitting Factory jouer en trio la musique de Herbie Nichols. Je suis allé l’écouter, puis je suis passé dans les coulisses et je me suis présenté. Or, dans les coulisses, il y avait aussi Burton Greene, qui était venu lui rendre visite. Je n’avais jusque-là aucune intention d’interviewer Burton, mais il m’a entendu parler du projet et… voilà ! En revanche, j’avais prévu d’interviewer Alan Silva… Ce n’est qu’après coup que j’ai réalisé que je pouvais désormais faire un documentaire avec deux paires de musiciens ayant joué dans les années 1960, et représentant deux groupes extrêmement différents : le New York Art Quartet — avec Roswell et John —, formation orientée ´ écriture ª, et le Free Form Improvisation Ensemble — avec Alan et Burton — totalement opposé à l’écriture… J’avais donc deux aspects de la période des années 1960. J’en suis donc arrivé à ne mentionner que deux groupes particuliers, mais ce n’était pas prévu à l’origine : ç’a été une évolution du projet.

Vous n’avez tourné qu’à New York ?

Essentiellement. C’était plus facile. N’oublions pas que j’y faisais mes études. Mais je suis aussi allé à Cleveland — j’y vais souvent, ma mère y habite —, en 1998. Le groupe In Order to Survive — William Parker, Cooper-Moore, Susie Ibarra et Rob Brown — faisait alors une tournée dans le Midwest, et au détour d’une conversation avec eux j’ai appris qu’il devait se produire à Cleveland le week-end où j’y étais. J’ai pris une caméra et je les ai retrouvés… Six mois plus tard, ils jouaient à Sarah Lawrence, où je suis allé, et où j’ai tourné aussi. J’ai aussi passé beaucoup de temps avec Other Dimensions in Music — Roy Campbell, William Parker, Rashid Bakr, Daniel Carter, et Matthew Shipp, qui jouait beaucoup avec eux à cette période. Je les ai filmés au aux Context Studios de New York, puis à la George Washington University à Washington D.C. pendant l’été. Et enfin, il y a eu l’interview de John Tchicai, qui vivait alors en Californie — il vient de s’installer dans le sud de la France — et celle d’Alan Silva, qui vivait alors en Allemagne.

Vous avez fait votre film : avez-vous obtenu votre diplôme ?

Oui, en mai 1999. Je suis maintenant un sans-emploi titulaire d’une maîtrise, et je ne m’en sors qu’en travaillant un peu en free-lance. La vie est difficile quand on ne veut pas prendre un emploi régulier. De plus, l’économie des médias à New York est en crise. Il faut se battre.

Que vous a apporté ce film ?

Un grand sentiment d’appartenance à un groupe pendant tout le tournage… Il se passait quelque chose au niveau de la pensée. Nous avions des choses en commun, nous parlions le même langage, nous étions tous des excentriques similaires.

Et les musiciens, avaient-ils quelque chose en commun  ?

Ce sont tous de très fortes personnalités. En fait, ce qu’ils ont en commun, c'est qu'ils sont uniques ! Ils sont tous très différents, mais ils sont tous très chaleureux, très ouverts, très amicaux…

Sur quoi les avez-vous interrogés ?

On est toujours parti de leur histoire : comment ils s’étaient retrouvés à faire de la musique, comment ils en étaient venus à cette musique-là, quel sens cette musique avait dans leur vie. ce que c’était que ´ jouer ª de la musique improvisée, ce que signifiait travailler collectivement en musique, etc. Bien sûr, certains ont répondu mieux que d’autres sur tel ou tel point… Mais quand on fait des interviews, il y a toujours ceux qui parlent lentement, à qui il faut beaucoup de temps pour s’expliquer, et dont on peut difficilement utiliser les propos. J’ai cherché à les intégrer au mieux à cette nouvelle improvisation collective : le documentaire. J’ai pris toutes les réponses, j’ai vu qu’en les rassemblant, parce qu’elles étaient différentes, on en arrivait à couvrir collectivement tout le champ. Mais c’est un processus difficile. La seule chose qu’on peut espérer quand on fait ce travail, c’est que le musicien, au bout du compte, ne soit pas irrité par le résultat.

Ils ont tous vu votre film ?

Oui. Certains l’aiment, d’autres l’adorent : Burton Greene, Alan Silva…

Dans quel esprit avez-vous filmé : celui d’un archiviste-historien qui cherche à enregistrer temoignages et informations, ou bien celui d’un cinéaste transcrivant une réalité au travers de sa propre écriture ?

J’ai toujours eu une ´ écriture ª personnelle. Ma manière de jouer avec ce petit rectangle de lumière s’est forgée au fil des expériences. Je ne fais pas des images équilibrées au sens classique du terme. Je suis attentif à ce qui se passe dans ce rectangle, en particulier dans les concerts. Je me demande toujours de quelle manière ces images fonctionnent par rapport à ce que j’entends. Comment puis-je, par mon regard, refléter ce qu’ils sont en train de jouer ? Moi aussi je prends des risques. Je peux faire des gros-plans, ou des images floues si je trouve ça plus intéressant visuellement.

Et pour les interviews, comment avez-vous travaillé ?

Les interviews ont été faites de manière plus conservatrice. Quand c’était possible, en particulier à New York, où je pouvais avoir les Betacam de l’école, un ami m’accompagnait pour s’occuper de l’image, tandis qu’un autre faisait le son, ce qui me permettait de me concentrer sur l’interview. D’autres fois, surtout l’été et hors de New York, j’étais seul.

Votre film n’est pas encore distribué ?

Non, cette année, je le montre dans les universités, dans les festivals, je cherche à attirer l’attention dessus. Je pense que ça facilitera la suite, la recherche de distributeurs.

Et vous travaillez déjà sur le documentaire suivant…

Oui, c’est ce que j’appelle ´ le documentaire inattendu ª ! Tandis que je travaillais sur le premier montage de Inside Out in the Open, John Tchicai m’a passé un coup de fil énigmatique : ´ Nous allons nous réunir. ª Il parlait du New York Art Quartet. Or, j’étais frustré, à l’issue du montage, de n’avoir pas pu parler davantage des années 1960 dans Inside Out in the Open. Je me suis alors dit qu’il y avait là un groupe témoin de ces années-là et que j’avais ainsi l’occasion de continuer à travailler sur ce sujet, de combler les vides que j’avais moi-même laissé. Je leur en ai parlé, ils m’ont donné leur accord. Ce second film sera évidemment d’un style complètement différent. Cette fois-ci, je vais plutôt du côté du cinéma vérité. La veille de leur premier concert, en juin 1999, ils se sont tous retrouvés pour dîner dans un appartement de West Village à New York : Milford Graves, Roswell Rudd, John Tchicai, Reggie Workman, qui avait été leur dernier bassiste, et Amiri Baraka. J’étais là, avec deux caméras et un ingénieur du son. C’était la première fois depuis 1965 qu’ils étaient tous ensemble dans la même pièce au même moment ! Ils ont dîné et bavardé… Fascinant. Une grande partie de cette soirée se retrouvera dans le documentaire. Je les ai suivis sur scène, dans les coulisses… Je les ai filmés à Banlieues Bleues, et au Portugal en août dernier.

Maintenant que vous avez filmé cette rencontre et les concerts de New York, Banlieues Bleues et Lisbonne, que vous reste-t-il à faire ?

Des interviews plus formelles avec chacun. Et il y a aussi d’autres personnes que j’ai l’intention d’interviewer à propos de 1964 : J’ai déjà un bout d’interview avec Steve Lacy… L’avantage de ce projet, c’est qu’il se concentre sur la période 1964-65, à New York. Ce film aura pour sujet principal quatre ou cinq individus qui avait alors une vingtaine d’années, qui en ont aujourd’hui une soixantaine, dont les existences ont divergé, mais qui continuent d’être créatifs. Et leurs retrouvailles près de quarante ans plus tard n’ont plus rien à voir, musicalement, avec ce qu’ils faisaient à l’époque. Il y a donc de très belles histoires à raconter. Je voudrais le faire en 2002. Ensuite, je m’écarterai de la musique pour faire un long documentaire sur la politique et l’économie de la mondialisation, du point de vue du Tiers-Monde.

S.F. Bay Guardian
Friday June 28, 2002
Jazz hands 

Free jazz fans who grumbled about "their" music being left out of Ken Burns's much debated PBS documentary Jazz can now rejoice. Inside Out in the Open, which premiered last summer in New York City, tells the story of this once-revolutionary (and still often misunderstood) form of music.

Making its California premiere tonight with filmmaker Alan Roth in attendance, the documentary is built around interviews with a range of free jazz musicians, including '60s veterans like saxophonists Marion Brown and former Art Ensemble of Chicago member Joseph Jarman and younger players such as bassist William Parker, pianist Matthew Shipp, and drummer Susie Ibarra.

The film also features live footage of the Sun Ra Arkestra, Germany's Peter Brotzmann, and late Bay Area legend Glenn Spearman, among others. 8 p.m., Yerba Buena Center for the Arts, 701 Mission, S.F. $3-$6. (415) 978-2787. (Will York)